domingo, 11 de diciembre de 2011
ESTO ES HACER FOTO.
Hoy de ocioso por You Tube encontre esta campaña publicitaría que me hizo reflexionar mucho acerca de la fotografía.
¿Y ustedes queridos lectores, toman o hacen fotografía?
Proyecto Personal.
Tres Cuartos es una banda tapatía formada desde el año 2002, ha compartido escenario con bandas de circulación nacional como lo son Pambo, Delux, Pito Pérez, María Barracuda, Mamá Pulpa Y Benny Ibarra (en su gira “Estoy” del 2006). Cuentan con dos discos: Sepia (2007) y TRES CUARTOS (2009). En el año 2009 participaron en el reality show “Garage Rockstar” que se transmitió por televisa.
Esta banda está a punto de tomar un extenso receso musical por cuestiones de situaciones personales de los integrantes.
La banda junto con amigos, familiares y seres queridos los cuales los apoyan desde el principio de sus carreras, organizaron un concierto de despedida en el cual los asistentes se pudieran divertir, escuchar y cantar por última vez en vivo sus canciones favoritas.
Con la influencia de Robert Knight, uno de los fotógrafos más reconocidos en fotografía de conciertos, siendo uno de los primeros en retratar a Jimmy Hendrix e incluyendo a Led Zeppelin, Eric Clapton, Jeff Beck, John Mayer entre otros músicos en su portafolio, el objetivo de este proyecto es plasmar por medio de fotografías este último concierto, para tener registro de lo que alguna vez fue un concierto de Tres Cuartos.
Las fotografías son únicas al igual que esta presentación, por eso me siento privilegiado de poder colaborar con esta banda Tapatía y poder ser yo quien registre uno de los momentos más especiales en su carrera: el final.
Esta banda está a punto de tomar un extenso receso musical por cuestiones de situaciones personales de los integrantes.
La banda junto con amigos, familiares y seres queridos los cuales los apoyan desde el principio de sus carreras, organizaron un concierto de despedida en el cual los asistentes se pudieran divertir, escuchar y cantar por última vez en vivo sus canciones favoritas.
Con la influencia de Robert Knight, uno de los fotógrafos más reconocidos en fotografía de conciertos, siendo uno de los primeros en retratar a Jimmy Hendrix e incluyendo a Led Zeppelin, Eric Clapton, Jeff Beck, John Mayer entre otros músicos en su portafolio, el objetivo de este proyecto es plasmar por medio de fotografías este último concierto, para tener registro de lo que alguna vez fue un concierto de Tres Cuartos.
Las fotografías son únicas al igual que esta presentación, por eso me siento privilegiado de poder colaborar con esta banda Tapatía y poder ser yo quien registre uno de los momentos más especiales en su carrera: el final.
sábado, 10 de diciembre de 2011
Abelardo Morell
Abelardo Morell nació en “La Habana” en Cuba en 1948, lugar de donde huyo junto con su familia en 1962, llegando a New York.
obtuvo un titulo en “Fine Arts” del “Bowdoin College” en 1977, una maestría en “Fine Arts” de la Universidad de Yale en 1981 y un Doctorado en “Fine Arts” del “Bowdoin College”en 1997.
Actualmente es Profesor de Fotografía en el “Massachussetts College of Art & Design” en Boston • Alturas Foundation Artist-in-Residence en South Texas (2008-2009) • Happy and Bob Doran Artist-in-Residence en la Galeria de Arte de Yale (2008-2009).
Premios que ha ganado:
2006: “The Decordova Museum Rappaport Prize” .
1995: “St. Botolph’s Club Foundation Award .
1994: “New England Foundation for the Arts Fellowship” .
1993: “John Simon Guggenheim Memorial Fellowship” .
1992: “Cintas Foundation Fellowship”.
Mediante la técnica de la cámara oscura el fotógrafo Abelardo Morell convierte oscuras habitaciones en paisajes mágicos.
Un gran fotógrafo, con una influencia muy particular la cual te podría servir para realizar proyectos.
Fuentes:
http://www.slideshare.net/revan65/abelardo-morell-3027340
http://www.nationalgeographic.com.es/2011/08/01/habitaciones_con_vistas.html
obtuvo un titulo en “Fine Arts” del “Bowdoin College” en 1977, una maestría en “Fine Arts” de la Universidad de Yale en 1981 y un Doctorado en “Fine Arts” del “Bowdoin College”en 1997.
Actualmente es Profesor de Fotografía en el “Massachussetts College of Art & Design” en Boston • Alturas Foundation Artist-in-Residence en South Texas (2008-2009) • Happy and Bob Doran Artist-in-Residence en la Galeria de Arte de Yale (2008-2009).
Premios que ha ganado:
2006: “The Decordova Museum Rappaport Prize” .
1995: “St. Botolph’s Club Foundation Award .
1994: “New England Foundation for the Arts Fellowship” .
1993: “John Simon Guggenheim Memorial Fellowship” .
1992: “Cintas Foundation Fellowship”.
Mediante la técnica de la cámara oscura el fotógrafo Abelardo Morell convierte oscuras habitaciones en paisajes mágicos.
Un gran fotógrafo, con una influencia muy particular la cual te podría servir para realizar proyectos.
Fuentes:
http://www.slideshare.net/revan65/abelardo-morell-3027340
http://www.nationalgeographic.com.es/2011/08/01/habitaciones_con_vistas.html
viernes, 9 de diciembre de 2011
¡Mira nomas, que bodegón!
Bodegón es el retrato de un objeto o grupo de objetos que se realiza siempre en estudio (interior). Se pueden diferenciar dos tipos:
Bodegón seco. Son los que tienen más en común con los que se realizaban en pintura (naturaleza muerta). Admiten sombras, texturas y el color suele ser cálido: cuerda, madera, cereales, barro, frutos y flores secas, pasta, botellas de vino,... En el caso de que quedara una composición muy monótona en cuanto a color, se puede poner un elemento que destaque del resto.
Bodegón húmedo. Es más luminoso, brillante. No admite sombras y las texturas son suaves: frutas y verduras, cristal, cubiertos de acero inoxidable, porcelana...
La principal aplicación del bodegón es la fotografía publicitaria, donde el objetivo es vender un objeto, por lo que se trata de una fotografía muy cuidada y preparada. Los equipos son de gran calidad y se trabaja en estudios.
El objetivo que más se utiliza es el teleobjetivo corto (70-100) ya que respeta la profundidad de campo lo suficiente y no deforma el objeto, ni llega a pegar la perspectiva. En publicidad se trabaja con negativo de 9x12.
Ten en cuenta los siguientes consejos:
La composición. Es importante respetar la ley de los tercios: las grandes masas estarán en el centro y los pequeños detalles alrededor. Un bodegón cuenta con varios planos de composición, lo que obliga a trabajar con diafragmas cerrados para conseguir mayor profundidad.
La toma. Es importante la posición de la cámara y los objetivos con los que se va a trabajar. Por ejemplo, si el objeto es muy plano, se deberá hacer una toma cenital (desde arriba). La toma que más se utiliza es la toma frontal ligeramente picada. En cuanto a los objetivos, con ellos se pueden crear diferentes efectos:
Teleobjetivo. Enfoca muy bien el bodegón, pero el fondo queda desenfocado.
Si tu intención es la foto publicitaría, la foto bodegón te sería muy útil, inténtalo y veras los resultados!
Fuente:
http://html.rincondelvago.com/fotografia_7.html
Bodegón seco. Son los que tienen más en común con los que se realizaban en pintura (naturaleza muerta). Admiten sombras, texturas y el color suele ser cálido: cuerda, madera, cereales, barro, frutos y flores secas, pasta, botellas de vino,... En el caso de que quedara una composición muy monótona en cuanto a color, se puede poner un elemento que destaque del resto.
Bodegón húmedo. Es más luminoso, brillante. No admite sombras y las texturas son suaves: frutas y verduras, cristal, cubiertos de acero inoxidable, porcelana...
La principal aplicación del bodegón es la fotografía publicitaria, donde el objetivo es vender un objeto, por lo que se trata de una fotografía muy cuidada y preparada. Los equipos son de gran calidad y se trabaja en estudios.
El objetivo que más se utiliza es el teleobjetivo corto (70-100) ya que respeta la profundidad de campo lo suficiente y no deforma el objeto, ni llega a pegar la perspectiva. En publicidad se trabaja con negativo de 9x12.
Ten en cuenta los siguientes consejos:
La composición. Es importante respetar la ley de los tercios: las grandes masas estarán en el centro y los pequeños detalles alrededor. Un bodegón cuenta con varios planos de composición, lo que obliga a trabajar con diafragmas cerrados para conseguir mayor profundidad.
La toma. Es importante la posición de la cámara y los objetivos con los que se va a trabajar. Por ejemplo, si el objeto es muy plano, se deberá hacer una toma cenital (desde arriba). La toma que más se utiliza es la toma frontal ligeramente picada. En cuanto a los objetivos, con ellos se pueden crear diferentes efectos:
Teleobjetivo. Enfoca muy bien el bodegón, pero el fondo queda desenfocado.
Si tu intención es la foto publicitaría, la foto bodegón te sería muy útil, inténtalo y veras los resultados!
Fuente:
http://html.rincondelvago.com/fotografia_7.html
Macro Fotografía, de cerca por favor.
El día de hoy vamos a hablar acerca de la macro fotografía, pero... ¿Qué es la macro fotografía?
¿Alguna vez han visto fotografías de insectos, flores o objetos muy pequeños en los cuales se ven detalles los cuales no son perceptibles al ojo humano con mucha facilidad? ... a pues ¡eso es macro fotografía!
Dicho de manera más formal, la fotografía macro o macrofotografía consiste en fotografiar un motivo a una distancia muy corta, más de lo que permite un objetivo normal, 50mm o 35-80, por sí mismo, llegando hasta una proporción de tamaño real (escala 1:1), es decir, el tamaño del motivo será el mismo en el original que en el negativo.
los objetivos o lentes macro son los que están especialmente diseñados para enfocar correctamente a una distancia muy pequeña, a magnificaciones generalmente de 1:1 (o tamaño natural) sin requerir equipamiento adicional.
La macro fotografía nos ayuda a captar detalles de motivos muy pequeños los cuales no son visibles a simple humano, una forma de apreciar la hermosura de las pequeñas cosas que nos rodean.
Existen maneras muy baratas de hacer macro fotografía, una de ellas son los tubos de extensión.
El funcionamiento de los tubos de extensión es bien sencillo. Simplemente, alejan el objetivo del cuerpo, ganando distancia focal, y lo hacen sin introducir ningún elemento óptico, por lo que independientemente de su construcción, la calidad final resultante depende exclusivamente de la óptica del objetivo original.
Aqui podrán conseguir más información acerca de los tubos de extensión: http://www.dzoom.org.es/noticia-1833.html
Así que ya saben, si no han intentado este tipo de fotografía, que esperan e intenten tenlo.
Y a ustedes... ¿Qué les gustaría captar con macro fotografía?
Fuente:
http://www.foto3.es/web/aprende/macro.htm
http://www.dzoom.org.es/noticia-1833.html
¿Alguna vez han visto fotografías de insectos, flores o objetos muy pequeños en los cuales se ven detalles los cuales no son perceptibles al ojo humano con mucha facilidad? ... a pues ¡eso es macro fotografía!
Dicho de manera más formal, la fotografía macro o macrofotografía consiste en fotografiar un motivo a una distancia muy corta, más de lo que permite un objetivo normal, 50mm o 35-80, por sí mismo, llegando hasta una proporción de tamaño real (escala 1:1), es decir, el tamaño del motivo será el mismo en el original que en el negativo.
los objetivos o lentes macro son los que están especialmente diseñados para enfocar correctamente a una distancia muy pequeña, a magnificaciones generalmente de 1:1 (o tamaño natural) sin requerir equipamiento adicional.
La macro fotografía nos ayuda a captar detalles de motivos muy pequeños los cuales no son visibles a simple humano, una forma de apreciar la hermosura de las pequeñas cosas que nos rodean.
Existen maneras muy baratas de hacer macro fotografía, una de ellas son los tubos de extensión.
El funcionamiento de los tubos de extensión es bien sencillo. Simplemente, alejan el objetivo del cuerpo, ganando distancia focal, y lo hacen sin introducir ningún elemento óptico, por lo que independientemente de su construcción, la calidad final resultante depende exclusivamente de la óptica del objetivo original.
Aqui podrán conseguir más información acerca de los tubos de extensión: http://www.dzoom.org.es/noticia-1833.html
Así que ya saben, si no han intentado este tipo de fotografía, que esperan e intenten tenlo.
Y a ustedes... ¿Qué les gustaría captar con macro fotografía?
Fuente:
http://www.foto3.es/web/aprende/macro.htm
http://www.dzoom.org.es/noticia-1833.html
miércoles, 9 de noviembre de 2011
Konsé
Hola!
Hoy les voy a presentar algunas fotografías que tomé para la revista "Konsé" una revista dedicada a difundir, mostrar, dar a conocer, informar la música Indie - Rock.
Esta revista habla sobré cine, conciertos, artículos sobre músicos que tienes que conocer y demás.
Son publicaciones mensuales, esta dirigida a edades desde los 15 hasta los 28 años, nivel socio económico medio y medio-alto.
Espero les guste y me gustaría que me escribieran para saber su opinión de que les parece el trabajo y la revista.
Nos leemos a la próxima... Gracias!
Hoy les voy a presentar algunas fotografías que tomé para la revista "Konsé" una revista dedicada a difundir, mostrar, dar a conocer, informar la música Indie - Rock.
Esta revista habla sobré cine, conciertos, artículos sobre músicos que tienes que conocer y demás.
Son publicaciones mensuales, esta dirigida a edades desde los 15 hasta los 28 años, nivel socio económico medio y medio-alto.
Espero les guste y me gustaría que me escribieran para saber su opinión de que les parece el trabajo y la revista.
Nos leemos a la próxima... Gracias!
lunes, 7 de noviembre de 2011
Vida de fotógrafos v2.0
Aquí la segunda parte de fotógrafos...
Hellen van Meene
nació en 1972 en Alkmaar, Países Bajos. De 1992 a 1996, estudió fotografía en la Gerrit Rietveld Academie de Amsterdam. Durante este tiempo, estudió brevemente en la Escuela de Arte de Edimburgo, Escocia, en 1995. Desde mediados de la década de 1990, van Meene ha llamado la atención por su escena, pero íntimo, fotografías de las niñas y niños adolescentes andróginos. Su sensibilidad formal y la iluminación es parcialmente informados por sus predecesores holandeses como Johannes Vermeer y ella eligió originalmente a sus súbditos en su ciudad natal de Alkmaar. Sin embargo, en la última década se ha reunido a los modelos del extranjero, sobre todo Alemania y Japón. En 2004 se presentó a las madres adolescentes y madres-a-ser de Rusia, Letonia y el Reino Unido en su círculo de sujetos en medio de la palpable de mayoría de edad los puntos de inflexión. Para la serie de Siguiendo mi camino a casa (2007), van dirigidas Meene el contexto visual, económico y cultural de sus modelos más directamente que en su serie anterior, la integración del formato panorámico y naturalezas muertas junto a sus retratos característicos de la captura de los habitantes de una empobrecida después del huracán Katrina en Nueva Orleans barrio.
Exposiciones individuales de trabajo van Meene han sido organizadas por Sadie Coles HQ en Londres (2000 y 2008), Museo de Fotografía Contemporánea de Chicago (2002), Museo Folkwang de Essen (2007), y el Fotomuseum Winterthur (2008). Su trabajo también ha sido incluido en exposiciones colectivas importantes como la Bienal de Arquitectura de Venecia (2000), en Fotografen Nederland een Anthologie en Gemeente Museo Den Haag (2002), a la vista: la fotografía contemporánea holandesa de la colección del Museo Stedelijk en el Art Institute of Chicago (2005), Galería de retratos en el Museo Solomon R. Guggenheim en Nueva York (2007), y Paris Photo en el Carrousel du Louvre en París (2008). La artista recibió el Startstipendium en 1998 y el Köhlerprijs Charlotte en 1999. Van Meene vive en Heiloo, Países Bajos.
Fuente:
http://www.guggenheim.org/new-york/collections/collection-online/show-full/bio/?artist_name=Hellen%20Van%20Meene&page=1&f=Name&cr=2
http://hellenvanmeene.com/photos/
Arthur Tress
Fotógrafo que poca presentación o ninguna precisa, ya que su obra es harto conocida y emblemática. Su estilo se originó en la década de 1960 dentro de los movimientos surrealista, pero evolucionado posteriormente hacia un estilo propio a medio camino entre la ensoñación y el formalismo.
La fuerza de sus desnudos masculinos combinan la ternura con la crueldad, nos retrotrae con sus imágenes hacia la icónicagrafía gay de San Sebastián.
Un mundo en ruinas no exento de sus dosis de violencia en el que tanto niños como hombre nos invitan a un juego tan lúdico como amenazante.
Nacio en NYC en los años 40´s, estudio en Historia del arte en "Bard College" y despues fue a estudiar cine a París. Se enfoca en los desnudos.
Fuentes:
http://bajoelsignodelibra.blogspot.com/2009/07/arthur-tress.html
Jeff Wall
Fotógrafo canadiense nacido en Vancouver, Canadá, en el año 1946, ciudad en la que reside y trabaja, resultando ser una figura clave en la escena artística de su ciudad durante años. Premiado en el año 2002 con el prestigioso Premio Hasselblad.
Su obra ha ayudado a definir el llamado fotoconceptualismo. Sus fotografías son a menudo cuidadosamente planificadas como una escena en una película, con pleno control de todos los detalles. Sus composiciones se encuentran siempre bien pensadas, o prestadas, a partir de clásicos pintores como Edouard Manet.
Muchas de sus imágenes son grandes (normalmente 2X2 metros) transpariencias colocadas en cajas de luz, según el fotógrafo esta idea le vino durante un viaje en autobús entre España y Londres tras ver un gran anuncio publicitario montado sobre una caja de luz en una parada de autobús. Los temas tratados en sus fotografías son sociales y políticos, tales como la violencia urbana, racismo, pobreza, así como conflictos de género y de clase.
Una famosa imagen de Jeff Wall es Mimic de 1982. Resulta ser una transparencia de color de 198 cm por 229 cm. En ella, vemos a tres personas, una pareja y un hombre, caminando hacia la cámara sobre un lado de la acera. La calle pertenece a un suburbio en una ciudad norteamericana, un área residencial mezclada con pequeñas industrias. La pareja, a la derecha en la imagen, es blanca, y el hombre de la izquierda es de origen asiático. La mujer lleva unos pantalones cortos rojos y un top blanco mostrando su ombligo. Su novio lleva un chaleco, con una barba poblada y pelo despeinado; dan la impresión de ser de clase trabajadora. El hombre asiático está vestido elegantemente, con una camisa gris; da la impresión de ser de clase media. El novio hace un gesto racista al girar su cara hacia fuera para mirar de reojo al hombre asiático. La imagen ha sido tomada en el momento justo en que se produce el gesto y revela la tensión social. Sin embargo, esta escena ha sido construida meticulosamente al igual que si fuera una imagen cinematográfica.
Fuente:
http://disfruteconpoco.cl/2009/01/jeff-wall-un-grande/
Ralph Eugene Meatyard's
15 de Mayo de 1925, (Illinois), 7 de Mayo de 1972.
Estilo experimental llevado al surrealismo en toda regla, el trabajo Meatyard desafió la mayoría de las convenciones culturales y estéticas de su tiempo y hasta relativamente hace poco no encajaba con las ideas dominantes de la clase de "arte" de la fotografía convencional de su época. Su obra surgió de la belleza de las ideas más que las ideas de la belleza. Ralph amaba la literatura (en especial la poesía) y la filosofía (especialmente Zen) y esto según él le ayudó a estimular su imaginación. Mientras que otros fotógrafos recorrían las calles en busca de la América profunda y la verdad, Meatyard estaba obsesionado con el mundo de la experiencia interior, y continuamente planteaba preguntas nunca resueltas sobre nuestra realidad emocional a través de sus tomas. Él se volvió a mirar reflexivamente en los sueños y los terrores de las cuestiones metafísicas, y ésto lo demostraba con sus inquietantes fotografías.
Trabajos/exposiciones: expuso con fotógrafos conocidos y diversos como Edward Weston, Ansel Adams, Minor White, Aaron Siskind, Harry Callahan, Robert Frank, o Eikoh Hosoe. Pero en la década de los 70's, sus fotografías parecen relegados a aparecer principalmente en las exposiciones del arte "sureño". En la última década, la comprensión de sus obras sin embargo toma fuerza, gracias en parte a los críticos europeos (que por lo menos desde la época de Tocqueville se han forjado en la cultura americana), así qué como digo, ha comenzado a ser comprendido y apreciado verdaderamente. En un sentido Meatyard sufrió un destino común para los artistas que están muy, pero muy de lejos por delante de su tiempo. Todo sobre su vida y su arte va en contra de lo habitual y en contra de los patrones esperados por una sociedad borrega y apocada.
Frase: “Trabajo en varios grupos diferentes de imágenes que actúan unas con otras –pasando por varias maneras abstractas a una forma de lo surreal. He sido llamado predicador –pero en realidad, soy generalmente más filosófico. Nunca he realizado una fotografía abstracta sin contenido. Un educado fondo Zen influencia todas mis fotografías.
Fuente:
http://xmementoxmorix.blogspot.com/2010/01/ralph-eugene-meatyard.html
Hellen van Meene
nació en 1972 en Alkmaar, Países Bajos. De 1992 a 1996, estudió fotografía en la Gerrit Rietveld Academie de Amsterdam. Durante este tiempo, estudió brevemente en la Escuela de Arte de Edimburgo, Escocia, en 1995. Desde mediados de la década de 1990, van Meene ha llamado la atención por su escena, pero íntimo, fotografías de las niñas y niños adolescentes andróginos. Su sensibilidad formal y la iluminación es parcialmente informados por sus predecesores holandeses como Johannes Vermeer y ella eligió originalmente a sus súbditos en su ciudad natal de Alkmaar. Sin embargo, en la última década se ha reunido a los modelos del extranjero, sobre todo Alemania y Japón. En 2004 se presentó a las madres adolescentes y madres-a-ser de Rusia, Letonia y el Reino Unido en su círculo de sujetos en medio de la palpable de mayoría de edad los puntos de inflexión. Para la serie de Siguiendo mi camino a casa (2007), van dirigidas Meene el contexto visual, económico y cultural de sus modelos más directamente que en su serie anterior, la integración del formato panorámico y naturalezas muertas junto a sus retratos característicos de la captura de los habitantes de una empobrecida después del huracán Katrina en Nueva Orleans barrio.
Exposiciones individuales de trabajo van Meene han sido organizadas por Sadie Coles HQ en Londres (2000 y 2008), Museo de Fotografía Contemporánea de Chicago (2002), Museo Folkwang de Essen (2007), y el Fotomuseum Winterthur (2008). Su trabajo también ha sido incluido en exposiciones colectivas importantes como la Bienal de Arquitectura de Venecia (2000), en Fotografen Nederland een Anthologie en Gemeente Museo Den Haag (2002), a la vista: la fotografía contemporánea holandesa de la colección del Museo Stedelijk en el Art Institute of Chicago (2005), Galería de retratos en el Museo Solomon R. Guggenheim en Nueva York (2007), y Paris Photo en el Carrousel du Louvre en París (2008). La artista recibió el Startstipendium en 1998 y el Köhlerprijs Charlotte en 1999. Van Meene vive en Heiloo, Países Bajos.
Fuente:
http://www.guggenheim.org/new-york/collections/collection-online/show-full/bio/?artist_name=Hellen%20Van%20Meene&page=1&f=Name&cr=2
http://hellenvanmeene.com/photos/
Arthur Tress
Fotógrafo que poca presentación o ninguna precisa, ya que su obra es harto conocida y emblemática. Su estilo se originó en la década de 1960 dentro de los movimientos surrealista, pero evolucionado posteriormente hacia un estilo propio a medio camino entre la ensoñación y el formalismo.
La fuerza de sus desnudos masculinos combinan la ternura con la crueldad, nos retrotrae con sus imágenes hacia la icónicagrafía gay de San Sebastián.
Un mundo en ruinas no exento de sus dosis de violencia en el que tanto niños como hombre nos invitan a un juego tan lúdico como amenazante.
Nacio en NYC en los años 40´s, estudio en Historia del arte en "Bard College" y despues fue a estudiar cine a París. Se enfoca en los desnudos.
Fuentes:
http://bajoelsignodelibra.blogspot.com/2009/07/arthur-tress.html
Jeff Wall
Fotógrafo canadiense nacido en Vancouver, Canadá, en el año 1946, ciudad en la que reside y trabaja, resultando ser una figura clave en la escena artística de su ciudad durante años. Premiado en el año 2002 con el prestigioso Premio Hasselblad.
Su obra ha ayudado a definir el llamado fotoconceptualismo. Sus fotografías son a menudo cuidadosamente planificadas como una escena en una película, con pleno control de todos los detalles. Sus composiciones se encuentran siempre bien pensadas, o prestadas, a partir de clásicos pintores como Edouard Manet.
Muchas de sus imágenes son grandes (normalmente 2X2 metros) transpariencias colocadas en cajas de luz, según el fotógrafo esta idea le vino durante un viaje en autobús entre España y Londres tras ver un gran anuncio publicitario montado sobre una caja de luz en una parada de autobús. Los temas tratados en sus fotografías son sociales y políticos, tales como la violencia urbana, racismo, pobreza, así como conflictos de género y de clase.
Una famosa imagen de Jeff Wall es Mimic de 1982. Resulta ser una transparencia de color de 198 cm por 229 cm. En ella, vemos a tres personas, una pareja y un hombre, caminando hacia la cámara sobre un lado de la acera. La calle pertenece a un suburbio en una ciudad norteamericana, un área residencial mezclada con pequeñas industrias. La pareja, a la derecha en la imagen, es blanca, y el hombre de la izquierda es de origen asiático. La mujer lleva unos pantalones cortos rojos y un top blanco mostrando su ombligo. Su novio lleva un chaleco, con una barba poblada y pelo despeinado; dan la impresión de ser de clase trabajadora. El hombre asiático está vestido elegantemente, con una camisa gris; da la impresión de ser de clase media. El novio hace un gesto racista al girar su cara hacia fuera para mirar de reojo al hombre asiático. La imagen ha sido tomada en el momento justo en que se produce el gesto y revela la tensión social. Sin embargo, esta escena ha sido construida meticulosamente al igual que si fuera una imagen cinematográfica.
Fuente:
http://disfruteconpoco.cl/2009/01/jeff-wall-un-grande/
Ralph Eugene Meatyard's
15 de Mayo de 1925, (Illinois), 7 de Mayo de 1972.
Estilo experimental llevado al surrealismo en toda regla, el trabajo Meatyard desafió la mayoría de las convenciones culturales y estéticas de su tiempo y hasta relativamente hace poco no encajaba con las ideas dominantes de la clase de "arte" de la fotografía convencional de su época. Su obra surgió de la belleza de las ideas más que las ideas de la belleza. Ralph amaba la literatura (en especial la poesía) y la filosofía (especialmente Zen) y esto según él le ayudó a estimular su imaginación. Mientras que otros fotógrafos recorrían las calles en busca de la América profunda y la verdad, Meatyard estaba obsesionado con el mundo de la experiencia interior, y continuamente planteaba preguntas nunca resueltas sobre nuestra realidad emocional a través de sus tomas. Él se volvió a mirar reflexivamente en los sueños y los terrores de las cuestiones metafísicas, y ésto lo demostraba con sus inquietantes fotografías.
Trabajos/exposiciones: expuso con fotógrafos conocidos y diversos como Edward Weston, Ansel Adams, Minor White, Aaron Siskind, Harry Callahan, Robert Frank, o Eikoh Hosoe. Pero en la década de los 70's, sus fotografías parecen relegados a aparecer principalmente en las exposiciones del arte "sureño". En la última década, la comprensión de sus obras sin embargo toma fuerza, gracias en parte a los críticos europeos (que por lo menos desde la época de Tocqueville se han forjado en la cultura americana), así qué como digo, ha comenzado a ser comprendido y apreciado verdaderamente. En un sentido Meatyard sufrió un destino común para los artistas que están muy, pero muy de lejos por delante de su tiempo. Todo sobre su vida y su arte va en contra de lo habitual y en contra de los patrones esperados por una sociedad borrega y apocada.
Frase: “Trabajo en varios grupos diferentes de imágenes que actúan unas con otras –pasando por varias maneras abstractas a una forma de lo surreal. He sido llamado predicador –pero en realidad, soy generalmente más filosófico. Nunca he realizado una fotografía abstracta sin contenido. Un educado fondo Zen influencia todas mis fotografías.
Fuente:
http://xmementoxmorix.blogspot.com/2010/01/ralph-eugene-meatyard.html
Espero que estos fotógrafos nos ayuden a mejorar nuestras ideas en cuestión de proyectos a realizar, espero los disfruten, investiguen más sobre ellos y si tienen algo que compartir con nosotros nos escriban!
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