Konsé

Hola!

Hoy les voy a presentar algunas fotografías que tomé para la revista "Konsé" una revista dedicada a difundir, mostrar, dar a conocer, informar la música Indie - Rock.

Esta revista habla sobré cine, conciertos, artículos sobre músicos que tienes que conocer y demás.

Son publicaciones mensuales, esta dirigida a edades desde los 15 hasta los 28 años, nivel socio económico medio y medio-alto.

Espero les guste y me gustaría que me escribieran para saber su opinión de que les parece el trabajo y la revista.

Nos leemos a la próxima... Gracias!

Vida de fotógrafos v2.0

Aquí la segunda parte de fotógrafos...



Hellen van Meene 

nació en 1972 en Alkmaar, Países Bajos. De 1992 a 1996, estudió fotografía en la Gerrit Rietveld Academie de Amsterdam. Durante este tiempo, estudió brevemente en la Escuela de Arte de Edimburgo, Escocia, en 1995. Desde mediados de la década de 1990, van Meene ha llamado la atención por su escena, pero íntimo, fotografías de las niñas y niños adolescentes andróginos. Su sensibilidad formal y la iluminación es parcialmente informados por sus predecesores holandeses como Johannes Vermeer y ella eligió originalmente a sus súbditos en su ciudad natal de Alkmaar. Sin embargo, en la última década se ha reunido a los modelos del extranjero, sobre todo Alemania y Japón. En 2004 se presentó a las madres adolescentes y madres-a-ser de Rusia, Letonia y el Reino Unido en su círculo de sujetos en medio de la palpable de mayoría de edad los puntos de inflexión. Para la serie de Siguiendo mi camino a casa (2007), van dirigidas Meene el contexto visual, económico y cultural de sus modelos más directamente que en su serie anterior, la integración del formato panorámico y naturalezas muertas junto a sus retratos característicos de la captura de los habitantes de una empobrecida después del huracán Katrina en Nueva Orleans barrio.

Exposiciones individuales de trabajo van Meene han sido organizadas por Sadie Coles HQ en Londres (2000 y 2008), Museo de Fotografía Contemporánea de Chicago (2002), Museo Folkwang de Essen (2007), y el Fotomuseum Winterthur (2008). Su trabajo también ha sido incluido en exposiciones colectivas importantes como la Bienal de Arquitectura de Venecia (2000), en Fotografen Nederland een Anthologie en Gemeente Museo Den Haag (2002), a la vista: la fotografía contemporánea holandesa de la colección del Museo Stedelijk en el Art Institute of Chicago (2005), Galería de retratos en el Museo Solomon R. Guggenheim en Nueva York (2007), y Paris Photo en el Carrousel du Louvre en París (2008). La artista recibió el Startstipendium en 1998 y el Köhlerprijs Charlotte en 1999. Van Meene vive en Heiloo, Países Bajos.


Fuente:
http://www.guggenheim.org/new-york/collections/collection-online/show-full/bio/?artist_name=Hellen%20Van%20Meene&page=1&f=Name&cr=2
http://hellenvanmeene.com/photos/

Arthur Tress

Fotógrafo que poca presentación o ninguna precisa, ya que su obra es harto conocida y emblemática. Su estilo se originó en la década de 1960 dentro de los movimientos surrealista, pero evolucionado posteriormente hacia un estilo propio a medio camino entre la ensoñación y el formalismo.

La fuerza de sus desnudos masculinos combinan la ternura con la crueldad, nos retrotrae con sus imágenes hacia la icónicagrafía gay de San Sebastián.

Un mundo en ruinas no exento de sus dosis de violencia en el que tanto niños como hombre nos invitan a un juego tan lúdico como amenazante.

Nacio en NYC en los años 40´s, estudio en Historia del arte en "Bard College" y despues fue a estudiar cine a París. Se enfoca en los desnudos.


Fuentes:
http://bajoelsignodelibra.blogspot.com/2009/07/arthur-tress.html

Jeff Wall


Fotógrafo canadiense nacido en Vancouver, Canadá, en el año 1946, ciudad en la que reside y trabaja, resultando ser una figura clave en la escena artística de su ciudad durante años. Premiado en el año 2002 con el prestigioso Premio Hasselblad.

Su obra ha ayudado a definir el llamado fotoconceptualismo. Sus fotografías son a menudo cuidadosamente planificadas como una escena en una película, con pleno control de todos los detalles. Sus composiciones se encuentran siempre bien pensadas, o prestadas, a partir de clásicos pintores como Edouard Manet.
Muchas de sus imágenes son grandes (normalmente 2X2 metros) transpariencias colocadas en cajas de luz, según el fotógrafo esta idea le vino durante un viaje en autobús entre España y Londres tras ver un gran anuncio publicitario montado sobre una caja de luz en una parada de autobús. Los temas tratados en sus fotografías son sociales y políticos, tales como la violencia urbana, racismo, pobreza, así como conflictos de género y de clase.

Una famosa imagen de Jeff Wall es Mimic de 1982. Resulta ser una transparencia de color de 198 cm por 229 cm. En ella, vemos a tres personas, una pareja y un hombre, caminando hacia la cámara sobre un lado de la acera. La calle pertenece a un suburbio en una ciudad norteamericana, un área residencial mezclada con pequeñas industrias. La pareja, a la derecha en la imagen, es blanca, y el hombre de la izquierda es de origen asiático. La mujer lleva unos pantalones cortos rojos y un top blanco mostrando su ombligo. Su novio lleva un chaleco, con una barba poblada y pelo despeinado; dan la impresión de ser de clase trabajadora. El hombre asiático está vestido elegantemente, con una camisa gris; da la impresión de ser de clase media. El novio hace un gesto racista al girar su cara hacia fuera para mirar de reojo al hombre asiático. La imagen ha sido tomada en el momento justo en que se produce el gesto y revela la tensión social. Sin embargo, esta escena ha sido construida meticulosamente al igual que si fuera una imagen cinematográfica.

Fuente:
http://disfruteconpoco.cl/2009/01/jeff-wall-un-grande/



Ralph Eugene Meatyard's

15 de Mayo de 1925, (Illinois), 7 de Mayo de 1972.

Estilo experimental llevado al surrealismo en toda regla, el trabajo Meatyard desafió la mayoría de las convenciones culturales y estéticas de su tiempo y hasta relativamente hace poco no encajaba con las ideas dominantes de la clase de "arte" de la fotografía convencional de su época. Su obra surgió de la belleza de las ideas más que las ideas de la belleza. Ralph amaba la literatura (en especial la poesía) y la filosofía (especialmente Zen) y esto según él le ayudó a estimular su imaginación. Mientras que otros fotógrafos recorrían las calles en busca de la América profunda y la verdad, Meatyard estaba obsesionado con el mundo de la experiencia interior, y continuamente planteaba preguntas nunca resueltas sobre nuestra realidad emocional a través de sus tomas. Él se volvió a mirar reflexivamente en los sueños y los terrores de las cuestiones metafísicas, y ésto lo demostraba con sus inquietantes fotografías.

Trabajos/exposiciones: expuso con fotógrafos conocidos y diversos como Edward Weston, Ansel Adams, Minor White, Aaron Siskind, Harry Callahan, Robert Frank, o Eikoh Hosoe. Pero en la década de los 70's, sus fotografías parecen relegados a aparecer principalmente en las exposiciones del arte "sureño". En la última década, la comprensión de sus obras sin embargo toma fuerza, gracias en parte a los críticos europeos (que por lo menos desde la época de Tocqueville se han forjado en la cultura americana), así qué como digo, ha comenzado a ser comprendido y apreciado verdaderamente. En un sentido Meatyard sufrió un destino común para los artistas que están muy, pero muy de lejos por delante de su tiempo. Todo sobre su vida y su arte va en contra de lo habitual y en contra de los patrones esperados por una sociedad borrega y apocada.

Frase: “Trabajo en varios grupos diferentes de imágenes que actúan unas con otras –pasando por varias maneras abstractas a una forma de lo surreal. He sido llamado predicador –pero en realidad, soy generalmente más filosófico. Nunca he realizado una fotografía abstracta sin contenido. Un educado fondo Zen influencia todas mis fotografías.

Fuente:
http://xmementoxmorix.blogspot.com/2010/01/ralph-eugene-meatyard.html

Espero que estos fotógrafos nos ayuden a mejorar nuestras ideas en cuestión de proyectos a realizar, espero los disfruten, investiguen más sobre ellos y si tienen algo que compartir con nosotros nos escriban!

Vida de fotógrafos.

La vida de los siguientes fotógrafos nos ayudara a comprender a fondo sus obras, y poder aprovechar lo que nos puede aportar su trabajo a nuestras carreras como fotógrafos.

Daniela Edburg


Artista mexicana, nació en Houston TX en 1975, estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la ENAP, UNAM dentro del PAEA de la Academia de San Carlos, ha participado en numerosas exposiciones colectivas y ferias de arte en México y en el extranjero como son: “Detrás del Sueño: Fotografía contemporánea mexicana”, Centro Nacional para las Artes  Contemporáneas (Moscú, Rusia), XII Bienal de Foto, Centro de la Imagen (DF, México), Próximamente, Museo Carrillo Gil (DF, México), ARCO Stand Kunsthaus (Madrid, España) Sábados Memories” Art 2102 (Los Ángeles, EUA), Art Istambul (Istambul, Turquía), AAF Contemporary Art Fair (New York, EUA),“Girls on Girls” Galería Florencia Riestra (DF, México), “La Vanguardia Mexicana” BAC Santa Mónica (Barcelona, España), “Sala de Recuperación” Museo Carrillo Gil (DF, México).

Dentro de sus exposiciones individuales destacan “Bittersweet” Kunsthaus (Miami), “Here by accident” Aldaba Arte (México DF), “Drop Dead Gorgeous” Kunsthaus Santa Fé (San Miguel de Allende), “Nimbus” Galería Arte Joven (México DF), “Eat me” Kunsthaus (Miami), “As seen on TV” La Panadería (México DF),  “Let’s play house” Centro Cultural El nigromante, (San Miguel de Allende).

En 2006 fue seleccionada para el II Premio Sivam Artes Visuales, En 2004 Recibió la beca del Programa Estímulos para Creadores con Trayectoria del Instituto Estatal de Cultura de Guanajuato y en 2006 una mención honorífica  en el XXVI Encuentro Nacional de Arte Joven.

Actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México.


Fuente: http://www.fundacionpedromeyer.com/china/dedburg/indexsp.html

Gregory Crewdson 


nació en Brooklyn en 1962. Su trabajo es reconocido por sus escenas surrealistas de los hogares y vecindarios americanos. De adolescente formo parte de un grupo de punk rock llamado “The Speedis”, cuya exitosa canción “Let Me Take Your Foto” (Déjame aprovechar tu foto) ha resultado ser profética de lo que Crewdson se convertiría más tarde. En el 2005 Hewlett Packard utilizaría la canción para la publicidad de sus cámaras digitales. A mediados de 1980 estudia fotografía en el SUNY Purchase, cerca de puerto de Chester en Nueva York. Recibirá un Master en Bellas Artes en la universidad de Yale y será profesor en Sarah Lawrence, Cooper Union, Vassar College y la Universidad de Yale, en cuya facultad ha estado hasta 1993. Crewdson está representado en Nueva York en la Galería Agustín Luhring y en Londres por la galería White Cube.



Las fotografías de Crewdson parecen secuencias de películas en una escena que nunca termina, mostrando ambientes oníricos e inquietantes. Paisajes urbanos desolados, calles vacías misteriosas, personas que deambulan por calles mojadas, algunas desesperadamente solitarias.



Otro elemento a destacar es la producción de sus fotografías, para lo cual utiliza un equipo idéntico al cine. En una entrevista de Alberto Martin, comenta: “Una de las cosas que amo de la fotografía, a diferencia del cine u otra forma de narración, es que el espectador siempre incorpora su propia historia, ya que al final la imagen siempre está sin resolver. Aunque mi trabajo está influido por el cine, la imagen fija me gusta. Me interesan las limitaciones de la fotografía por su capacidad de presentar una imagen completamente congelada, donde no hay antes ni después. Intento utilizar esa limitación como fuerza. Mis fotografías capturan momentos aislados sin pasado ni futuro; una posibilidad imaginaria planea sobre ellas como si fuera una pausa elocuente que juega con la fuerza narrativa de la fotografía.”


Fuente: http://www.enkil.org/2009/01/13/gregory-crewdson-belleza-imperfecta/


Amy Stein (b. 1970)

is a photographer and teacher based in New York City. Her work explores our evolving isolation from community, culture and the environment. She has been exhibited nationally and internationally and her work is featured in many private and public collections such as the Philadelphia Museum of Art, the Museum of Contemporary Photography, the Nevada Museum of Art, the Nerman Museum of Contemporary Art and the George Eastman House Photography Collection.

Amy was raised in Washington, DC, and Karachi, Pakistan. She holds a BS in Political Science from James Madison University and a MS in Political Science from the University of Edinburgh in Scotland. In 2006, Amy received her MFA in photography from the School of Visual Arts in New York. Stein teaches photography at Parsons The New School for Design and the School of Visual Arts in New York City.

Amy is represented by Robert Koch Gallery in San Francisco and ClampArt in New York


awards and honors

Moran Portrait Prize, Finalist (2011)
Head On Portrait Prize, Finalist (2011)
AP25, American Photography (2009)
Baum Award for Emerging Photographers, Nominee (2009)
Callan/McNamara Award (2008)
The Print Center Solo Exhibition Award (2008)
New York Photo Awards, Photography Book Winner (2008)
Light Work, Artists-in-Residence (2008)
American Photo Magazine, Top 15 Emerging Artists (2007)
Photo España, Descubrimientos Finalist (2007)
Critical Mass, Monograph Winner (2007)
ASMPNY Image '06, First Place (2006)
Photo District News. Photo Annual (2006)
Review Santa Fe (2006)
Photo District News, Photo Annual (2005)
Photo District News, Photo Annual (2004)


Fuente: http://amysteinphoto.com/index.html


Sam Taylor-Wood

Nacida en Londres, Inglaterra, el 4 de marzo de 1967, es una artista contemporánea especializada en fotografía y vídeo que se graduó en el Goldsmiths College.
Los padres de Taylor-Wood se divorciaron cuando ella era una adolescente, y Samantha se fue a vivir con su madre y su padrastro a una comuna new-age. Cuando cumplió los dieciséis años, su madre la abandonó. Samantha tuvo problemas en los exámenes y le costó mucho entrar en la escuela de arte, cosa que finalmente consiguió. Tras llevar una discoteca y alternar otros trabajos, comenzó a realizar filmaciones cortas en vídeo y a tomar fotografías.


Algunos de sus trabajos incluyen filmaciones de David Beckham durmiendo, Elton John o Pet Shop Boys. Sus fotografías se exhiben en el museo Guggenheim, en la National Portrait Gallery de Londres y en las mejores galerías del mundo, siendo una de las más aclamadas artistas británicas del momento, lo que no impide a sus detractores opinar que su verdadero talento se encuentra en los números de teléfono de su agenda.

Una agenda a la que dio buen uso en 2004 con la serie de fotografías Crying Men, veintisiete retratos de conocidos actores masculinos (Laurence Fishburne, Sean Penn, Dustin Hoffman, Paul Newman, Willem Dafoe o Robert Downey Jr) a los que sometió a la prueba de llorar de un modo sincero ante su cámara. Las imágenes nos plantean la pregunta de cuanto hay de verdad y cuanto de mentira en sus emociones.

En 1995 Taylor-Wood contrajo matrimonio con Jay Jopling, y su primera hija, Angelica, nació en 1997.
Poco después, le diagnosticaron un cáncer de colon, que logró superar, pero en 1999, le diagnosticaron un cáncer de pecho que concluyó con una mastectomía. Su segundo hijo con Jopling nació en 2006.

Se anunció el 31 de octubre de 2009, que Sam se había comprometido con el actor britanico Aaron Johnson, el cual conocio en las grabaciones de la pelicula Nowhere Boy. A partir de enero de 2010,Sam Taylor-Wood está embarazada con el primer hijo de la pareja.
Taylor-Wood fue nominada para el Premio Turner en 1998.7

Fuente:
 http://www.mymodernmet.com/profiles/blogs/sam-taylorwood-gracefully
http://photoslaves.com/crying-men-by-sam-taylor-wood/
http://es.wikipedia.org/wiki/Sam_Taylor-Wood